Présentation :

Rocío Molina se met sans cesse au défi : qu’il s’agisse de transgresser les codes traditionnels du flamenco ou d’oser des performances risquées. Son nouveau spectacle Al Fondo Riela (Lo otro del Uno) ne déroge pas à la règle. Dépouillant la tradition de tout folklore, de ses routines, de ses légendes, elle réinvente le style pour en repousser les limites dans un dialogue intime et virtuose avec deux guitaristes éblouissants : Eduardo Trassierra et Yerai Cortés. Tout commence dans les entrailles d’un océan furieux d’où Rocío émerge telle une noire Vénus. Avec ses bras ondulants qui calmeraient la mer, elle nous entraîne dans une rêverie solitaire en proposant une danse aux accents classiques dont l’écho se répercute sur le sol miroir. Cette dualité entre soi et l’autre ainsi que la notion de dialogue imprègne toute la pièce, divisant l’espace scénique en deux mondes : le terrestre et l’immatériel, le réel et le mystérieux. Chacun est à l’écoute de l’autre. Rocío Molina, comme à son habitude, nous surprend dans ses différentes incarnations, que ce soit dans une farruca qui frôle la perfection technique, habillée d’une jupe à traîne volantée dans une soleá d’un raffinement inouï, ou enfin dans un costume invraisemblable, sorte de Geisha intégrale, avec cothurnes assortis. La danse envoûtante et libératrice de Rocío Molina fait miroiter « l’arrière-fond scintillant » de la vie.

Le mot de Brigitte Lefèvre : J’ai eu deux premiers amours en danse. L’un, c’est la danse libre, style Isadora Duncan. L’autre, c’est le flamenco. Ma mère était pianiste et accompagnait les danseurs de flamenco qui avaient fui le franquisme. Elle m’emmenait avec elle, et c’est resté inscrit dans mon ADN. Je suis donc très heureuse de présenter Rocío Molina, une danseuse exceptionnelle qui a su faire de la tradition, la plus radicale des avant-gardes, avec deux guitaristes tout à fait extraordinaires.

Quelques mots sur la chorégraphe :
Rocío Molina est née en Andalousie en 1984, près de Malaga. Elle danse depuis ses 3 ans et demande à devenir professionnelle à 7 ans. Dix ans plus tard, elle obtient, avec les félicitations du jury, son diplôme du Conservatoire royal de danse de Madrid, et danse notamment dans la troupe de Maria Pagés. En 2005, elle présente son premier spectacle Entre parades, puis El Eterno Retorno. En 2006, elle crée Turquesa como el limón en duo avec Laura Rozalén. En 2007, elle déshabille sa danse et montre le flamenco nue dans Almario. Considérée comme l’une des meilleures bailaoras d’aujourd’hui, elle a reçu de nombreuses récompenses. Rocío Molina porte le flamenco vers des contrées inédites et modifie l’image de la femme dans ce style. 

Mentions obligatoires
Production : Danza Molina S.L. & El Mandaito Producciones S.L.
Coproduction : Chaillot – Théâtre National de la Danse, Paris / Teatros del Canal, Madrid / Biennale de Flamenco, Séville / Théâtre de Nîmes, Scène Conventionnée d’intérêt national, art et création
Avec la collaboration : Teatro Cervantes de Málaga.

Rocío Molina est artiste associé du Chaillot – Théâtre National de la Danse, Paris

Présentation

Le 14 juillet 1518, une femme se trémousse frénétiquement pendant des jours sans explication. Peu à peu, des dizaines d’hommes et de femmes la rejoignent, ils dansent dans les rues étroites de Strasbourg sans pouvoir s’arrêter. Les autorités s’inquiètent. Les proches se disent impuissants. Pour endiguer cette épidémie, la ville décide de regrouper et de cacher les danseurs dans un lieu fermé. Après six semaines de fièvre dansante, le phénomène s’essouffle, les danseurs rentrent chez eux. Eugénie Andrin et Vanessa d’Ayral de Sérignac s’inspirent de ce fait réel pour imaginer que la pandémie actuelle et le stress lié à ce climat anxiogène pourraient provoquer à nouveau un tel phénomène. Cette « rave party » primitive prendrait alors des allures de grand bal populaire, et cette folie dansante résonnerait comme un exutoire pour se décharger de cette situation oppressante. Eugénie Andrin décide alors d’associer à ce projet sa démarche pédagogique menée auprès du Lycée Apollinaire de Nice avec les vingt élèves de l’option art-danse. La conscience de leur corps, leur mouvement « instinctif » et leur intention toujours juste, font leur force. Ils sont donc les interprètes idéaux pour incarner ces gens pris de folie, devenus danseurs par la force des choses. S’y ajoutent vingt autres élèves du Lycée Audiberti d’Antibes, ainsi que cinq danseurs professionnels chargés de mener (et transmettre) cette folle farandole !

Le mot de Brigitte Lefèvre : Danseuse, chorégraphe, Eugénie Andrin est attirée par la danse classique comme par les comédies musicales, la danse contemporaine. Elle crée des pièces mettant souvent les femmes en valeur. Elle possède une belle humanité, qui transparaît énormément dans tous ses projets pédagogiques. C’est à nouveau le cas avec cette création pour le festival, qui réunit 45 danseurs dont des élèves option danse de la région.

Quelques mots sur le chorégraphe :

Eugénie Andrin étudie la danse à Cannes auprès de Rosella Hightower avant d’être engagée par Éric Vu-An au sein du Ballet de l’Opéra d’Avignon en tant que soliste. Rapidement elle crée de nombreux ballets pour les opéras, en France comme à l’Étranger. Elle fonde sa propre compagnie à Avignon en 2007 avant de déménager à Antibes en 2014. Résidente de cœur à Anthéa, elle y présente régulièrement ses nouveaux spectacles. Parallèlement à ces activités, Eugénie Andrin mène de nombreuses actions pédagogiques dans la région Sud Provence-Alpes-Côte d’Azur. En juillet 2020, Eugénie Andrin est nommée Chevalier de l’Ordre des Arts et Lettres.

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Première en région
Création 2019 d’après Four Walls de Merce Cunningham
Pièce pour 24 danseurs et 1 pianiste
Chorégraphie : Petter Jacobsson et Thomas Caley
Musique : John Cage Four Walls (1er Mouvement)
Pianiste : Vanessa Wagner
Scénographie : Petter Jacobsson et Thomas Caley
Costumes : Petter Jacobsson, Thomas Caley, Martine Augsbourger et Annabelle Saintier
Lumières : Éric Wurtz

For Four Walls est une œuvre de Petter Jacobsson et Thomas Caley qui imaginent ce qu’aurait pu être Four Walls (1944), de Merce Cunningham, dont il ne reste quasiment pas de traces. Le résultat est saisissant : quand le rideau s’ouvre, les vingt-quatre danseurs du CCN – Ballet de Lorraine sont alignés dans une diagonale, multipliée, diffractée par un mur de miroirs à angle droit en fond de scène. Sauts, portés, torsions, courses et équilibres sont décuplés dans cet univers instable et mouvant.

Présentation

Louise Lecavalier prend la danse à bras le corps, comme une bataille existentielle et personnelle. Après quarante ans de carrière, danser toujours, danser encore, danser mieux pourrait être son mantra, avec juste cette pointe d’autodérision qui affleure à chacun de ses pas et les rend si spirituels. Désarticulations, équilibres instables, sinuosité des jambes, élans invraisemblables, décharges de geste, pulsions exacerbées… Louise peut tout ! L’apesanteur du plongeur et les vrilles frénétiques, les ondulations et les suspensions, les trémulations et les transes. En quatre Stations comme autant d’états de corps – fluidité, contrôle, méditation et obsession -, Louise Lecavalier continue sa vertigineuse exploration de la danse entre le désir d’envol et celui de peser dans le présent. Une densité dans la légèreté et du vif dans la retenue, et ces petits pas latéraux effectués à pleine vitesse qui glissent comme le vent déplace des traces sur le sable. En quatre Stations, comme autant de saisons ou de points cardinaux. Un cycle qui, comme le temps, ne s’arrête jamais : partir, revenir… Pour rencontrer, au bout, l’oubli de soi, la liberté.

Le mot de Brigitte Lefèvre : 

Louise Lecavalier est une femme extraordinaire, d’une humanité, d’une intégrité artistique exceptionnelle. À la fois chorégraphe et interprète accomplie, elle porte dans son corps toutes ses années de pratique, ce que je trouve très émouvant. Sa danse est littéralement magique, d’une énergie folle, d’une beauté inouïe.

Quelques mots sur la chorégraphe :
Icône de la danse contemporaine internationale, égérie de la compagnie La La La Human Steps, depuis Oranges en 1981 jusqu’à Exaucé/Salt en 1999, la Québécoise Louise Lecavalier incarne une danse extrême. Elle a marqué de son sceau toutes les collaborations d’envergure qui ont jalonné la trajectoire de La La La Human Steps, notamment le spectacle Sound and Vision de David Bowie en 1990, ou le concert The Yellow Shark de Frank Zappa et de l’Ensemble Modern d’Allemagne à l’automne 1992. À partir de 2003, Louise Lecavalier travaille avec d’autres chorégraphes comme Tedd Robinson et Crystal Pite qui lui écrivent des pièces. Elle collabore également avec Benoit Lachambre à la création de deux œuvres avant de créer ses propres chorégraphies en 2012.

Mention obligatoires :

Production : Fou Glorieux
Coproduction : tanzhaus nrw, Düsseldorf ; HELLERAU – European Centre for the Arts Dresden ; Festival TransAmériques, Montréal ; Usine C, Montréal , Harbourfront Centre, Performing Arts, Toronto ; Centre national des Arts, Ottawa ; SFU Woodward’s Cultural Programs, Vancouver ; Diffusion Hector-Charland, L’Assomption et Repentigny.

Louise Lecavalier est soutenue par le Conseil des arts et des lettres du Québec, le Conseil des Arts du Canada et le Conseil des arts de Montréal.

Présentation

En observant son fils de 3 ans, Kaori Ito, danseuse et chorégraphe, crée un spectacle pour de jeunes enfants à partir de leur imaginaire. Pour ce faire, elle invente « La Cabane à secrets » une installation inspirée du théâtre Kamishibai – un théâtre ambulant de papier – où elle mène un travail de collecte avec les tout-petits pour se nourrir de leur univers. C’est ainsi qu’elle décide de leur raconter l’histoire d’un monde qui marche sur la tête et compte sur eux pour le réenchanter. Intitulé Le Monde à l’envers, ce conte sens dessus-dessous distille beaucoup d’humour, d’humanité, et de tendresse avec une pointe de philosophie.
C’est l’histoire d’un monde qui marche sur la tête où la terre s’est échappée à la place du ciel pour ne plus être piétinée. Les secrets sont les super pouvoirs des enfants qui peuvent réenchanter le monde.
Au plateau, trois super héros tragiques luttent pour tenir debout et se relever. À force de se heurter au sol leurs carapaces cassent et révèlent leurs secrets enfantins, une sorte de fantaisie précieuse qui constitue leur identité. Une invitation à cultiver son enfant intérieur et à soigner ce qui fait notre singularité et notre imagination.

Le mot de Brigitte Lefèvre : 

Kaori Ito n’hésite pas à mettre en danse ses fragilités et ses interrogations. Elle crée des spectacles très personnels, après avoir été une interprète accomplie qui savait se mettre au service de chorégraphes très éloignés les uns des autres. Qu’elle souhaite, en tant que femme et mère, créer un spectacle pour les enfants a immédiatement suscité mon intérêt pour le festival.

Quelques mots sur la chorégraphe :
Kaori Ito, née au Japon, a été danseuse classique, puis, après s’être installée en France, l’interprète fétiche de nombreux chorégraphes, de Philippe Decouflé à Angelin Preljocaj, d’Alain Platel à Aurélien Bory. En 2008, elle crée son premier spectacle, Noctiluque. En 2015, elle fonde sa compagnie Himé. Artiste polymorphe, elle réalise également des vidéos, des peintures, et collabore régulièrement au théâtre notamment avec Édouard Baer et Denis Podalydès pour la Comédie Française. Kaori apparaît également dans plusieurs films, dont Poesía sin fin d’Alejandro Jodorowsky, sorti pour la Quinzaine des Réalisateurs à Cannes 2016, et dans Luz de Flora Lau au côté d’Isabelle Huppert ou tout récemment dans la série décalée de Canal + Neuf Meufs d’Emma de Caunes.

Production : Compagnie Himé
Coproductions : KLAP-maison pour la danse MARSEILLE, MAC – maison des arts et de la culture de CRETEIL, Centquatre-Paris, Fontenay en Scènes / Ville de Fontenay-sous-Bois, Théâtre du Fil de l’Eau – Ville de Pantin avec le soutien du Département Seine-Saint-Denis, CDCN La Place de la danse TOULOUSE, MA scène nationale – Pays de Montbéliard,
Festival de danse de Cannes – Côte d’Azur France, Théâtre Massalia – Marseille.
Avec le soutien : des écoles élémentaires Joliot Curie et Sadi Carnot de Pantin, de l’école
maternelle Suzanne Lacore du Pré-Saint-Gervais, de la Ferme des enfants à Lablachère et de l’école maternelle Pierre Demont à Fontenay-sous-bois.
Cette création bénéficie du soutien de la Fondation Franco-Japonaise Sasakawa.
La compagnie Himé reçoit le soutien de la Fondation BNP Paribas pour l’ensemble de ses projets depuis sa création.
La compagnie Himé est soutenue par le Ministère de la culture – DRAC Ile de France, par la Région Ile-de-France et le Département du Val-de-Marne.
Kaori Ito est artiste associée à la Mac de Créteil et au Centquatre à Paris.
La compagnie Himé est en compagnonnage artistique avec KLAP Maison pour la danse à Marseille et en résidence à Fontenay en Scènes – Ville de Fontenay-sous-Bois et au Théâtre du Fil de l’eau – Ville de Pantin.
La résidence de la Compagnie Himé au Théâtre du Fil de l’eau – Ville de Pantin est soutenue par le Département de la Seine-Saint-Denis.

Présentation

John Martin, célèbre critique de danse américain, écrit dès 1933, « on pressent dans les œuvres de Martha des démons à exorciser, des démons d’une puissance colossale. » 

1933, c’est la date de création d’Ekstasis. Pourtant, cette pièce d’une singulière beauté, n’est pas vraiment de Martha Graham : c’est une création de Virginie Mécène1 qui a réimaginé ce solo considéré comme disparu. C’est l’époque où Martha Graham développe ses « danses de révolte » et choisit des costumes qui la magnifient et l’entravent, comme ce jersey moulant métamorphosant la danseuse hiératique en forme sculpturale et sensuelle. Littéralement captivant, le solo fait apparaître, par un jeu incessant sur le poids du corps et son support, le sol, toutes sortes d’images et de représentations de la femme : troublante, mystérieuse, profonde, ancrée, sacrée… 

Steps in the Street (1936) est l’une des parties de Chronicle. Une pièce en réponse à la montée du fascisme en Europe, et à l’invitation faite à Martha Graham de participer aux Jeux Olympiques de Berlin de 1936. Ce qu’elle refuse fermement, notamment au nom des artistes persécutés. Sous-titrée ”Devastation – Homelessness – Exile”, la pièce évoque les horreurs de la guerre. Toute la technique de Graham dans sa plénitude et sa force expressive est ici exaltée.  

Avec Acts of Light (1981) Martha Graham semble récapituler tout son parcours chorégraphique. Ouvrant avec un duo d’amour très sensuel, la seconde partie, Lament fait clairement référence au solo iconique de 1930, Lamentation. Ritual to the Sun, la dernière partie, est une sorte de « syllabus » extraordinairement brillant de la technique Graham. Enfin, Umbra, est la dernière création de la chorégraphe Andrea Miller. Sorte de coucher de soleil en trois actes, elle explore la structure, le chaos et le mystère surgissant de ce moment de vie apparemment ordinaire. 

Le mot de Brigitte Lefevre

C’est en évoquant et en pensant à Martha Graham et à l’importance des chorégraphes pionnières que j’ai imaginé ce festival. À tout seigneur, tout honneur, c’est donc la Martha Graham Dance Company qui ouvre le festival, avec un programme qui retrace son parcours, riche et puissant et celui de sa compagnie. Il commence avec Ekstasis, une danse des sources, des origines qui vont irradier son mouvement, presque une danse antique. Steps in the Street, est pour moi l’un des plus beaux ballets du XXe siècle au sens où la danse peut transcender le social, l’historique, une modernité, une contemporanéité de ces moments terribles que sont la Grande Dépression et la montée du nazisme et Acts of Light est un ballet d’ensemble tourné vers la lumière, une des dernières pièces de Martha. Enfin, la création d’Andrea Miller s’appuie sur les forces vives de la création d’aujourd’hui, témoignant de la vitalité de la compagnie et de l’énergie de sa créatrice toujours présente, sans laquelle la danse moderne n’aurait pas existé de la même manière.

Quelques mots sur la compagnie 

La longévité et l’exceptionnelle personnalité de Martha Graham ont infléchi tout le développement de la danse du XXe siècle. Elle a su forger une technique et un vocabulaire pouvant exprimer toute la dimension sociale, politique, psychologique et même sexuelle de la danse. La Martha Graham Dance Company est l’héritière de cette histoire riche et féconde. Son répertoire est constitué des œuvres majeures de la pionnière de la danse moderne américaine, mais fait également appel à de nouvelles pièces de chorégraphes contemporains afin d’apporter de nouvelles perspectives à la compagnie.