Première en région Sud
Première en région Sud
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Volutes
Création 2022
Pièce pour 8 interprètes
Conception chorégraphique : Wendy Cornu
Avec Julie Alamelle, Grégory Alliot, Zoé Bernabeu, Anthony Barreri, Lucie Gemon, Louis Nam Le Van Ho, Jeanne Stuart, Lorenzo Vanini
Musique : Son Sine : Uncertainly, Antonio Vivaldi : Nisi Dominus (Psalm 126) R.608 par James Bowman, Franz Schubert : Auf dem Wasser zu singen, Op 72 par Barbara Bonney, Ibrahim Maalouf : Ritournelle III, Jean-Sébastien Bach : Sonata for viola da Gamba No 3 in G Minor BWV 1029: I.Vivace par Yo-Yo Ma / Chris Thile / Edgar Meyer, Jean-Sébastien Bach : Sonata for viola da Gamba No 3 in G Minor BWV 1029: III. Allegro par Yo-Yo Ma / Chris Thile / Edgar Meyer, Senking : Schacht, Julianna Barwick : Inspirit
Création lumières : Yvan Labasse
Régisseur son : Antoine Perrin
Assistant chorégraphique : Max Fossati
Création costumes : Julia Didier
En résonance intime avec les sons, l’énergie des corps compose une partition où mouvement et musique ne font qu’un. Une inédite exploration sensorielle et chorégraphique.
Regarder la musique et écouter la danse : tel est le propos de cette pièce audacieuse sélectionnée en 2020 au concours Danse Élargie, organisé en partenariat avec la Fondation Hermès par le Théâtre de la Ville à Paris. Autour de la notion clé de composition, Wendy Cornu fait de la partition musicale le support premier de sa chorégraphie. Schubert, Bach, mais aussi la trompette du jazzman Ibrahim Maalouf, l’électro de Son.Sine ou les boucles vocales hypnotiques de Julianna Barwick, deviennent ainsi la matrice et la structure des volutes gestuelles des huit danseurs. Outre les propositions musicales, ces derniers reçoivent également des indications vocales de direction dans l’espace auxquelles, selon un jeu de hasard évoquant le travail de Merce Cunningham, ils choisissent ou non de répondre. Tel un tableau vivant ou un work in progress, Volutes offre ainsi une construction aussi complexe qu’infiniment naturelle, dont les corps sont les instruments. Chacun de ces « instantanés » reconfigure à mesure le plateau, faisant souffler sur la pièce une spirale de sensations et un vent de liberté qui emporte les spectateurs. En équilibre, cet objet musical et chorégraphique singulier réussit à marier synchronicité et écoute, actions collectives et échappées individuelles. Insolite et captivant.
Compagnie Mouvimento – Wendy Cornu
Formée au Centre national de danse contemporaine (Cndc) d’Angers, Wendy Cornu a été entre 2002 et 2012 interprète de plusieurs compagnies, dont celles d’Emanuel Gat et de Georges Appaix. En 2010, elle crée son premier solo, 3Times, puis fonde avec Julie Alamelle la compagnie Mouvimento au sein de laquelle toutes deux signent quatre pièces, d’Ellipses à Effacée(s). Wendy Cornu a été lauréate en 2017-18 de la Fondation Royaumont pour le cursus Prototype V et a durant cette résidence initié le processus de réflexion menant à Volutes.
Crédits
Production : Mouvimento 2021-22
Coproducteurs : Les Hivernales – CDCN Avignon ; Danse Élargie (avec l’aide de la Fondation d’entreprise Hermès) – Paris ; CCN Caen en Normandie – Accueil studio 2021 ; Klap Maison pour la danse – Marseille ; CCN de Nantes ; CCN Ballet de Marseille – Accueil studio 2021 ; Pôle des Arts de la Scène – Friche la Belle de Mai ; DRAC PACA – Aide au projet ; Ville de Marseille ; Département des Bouches-du-Rhône ; Région Sud.
Soutiens : Amphithéâtre de la Verrière – Aix-en-Provence, Marseille Objectif Danse – Friche Belle de Mai, Scène 44 n+n Corsino – Marseille, Fondation Royaumont – Asnières sur Oise, L’Etang des Aulnes, Saint-Martin-de-Crau.
15h - 45min
Plein : 10€ / - 26 ans : 5€
Tout public à partir de 12 ans
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Séance scolaire le
Lundi 27 novembre à 10h00
Renseignement
Jessica PIRIS
– Tel : 04 89 82 20 46
– Mail :
jessica.piris@ville-cannes.fr
BALLET DU GRAND Théâtre DE GENÈVE
Direction : Sidi Larbi Cherkaoui
SKID
Reprise de la pièce créée en 2017 pour la GöteborgsOperans Danskompani
Pièce pour 18 interprètes
Première en région Sud
Chorégraphie : Damien Jalet
Scénographie : Jim Hodges et Carlos Marques da Cruz
Composition musicale : Christian Fennesz et Marihiko Hara
Costumes : Jean Paul Lespagnard
Lumières : Joakim Brink
Conseiller à la chorégraphie : Aimilios Arapoglou
Interprètes : Yumi AIZAWA, Céline ALLAIN, Zoé CHARPENTIER, Diana DIAS DUARTE, Emilie MEEUS, Sara SHIGENARI, Madeline WONG, Jared BROWN, Adelson CARLOS, Quintin CIANCI, Oscar COMESANA, Armando GONZALEZ, Julio LEON TORRES, Ricardo MACEDO, Juan PEREZ, Geoffrey VAN DYCK, Nahuel VEGA
Durée : 45 min
VÏA
Création 2023
Pièce pour 15 interprètes
Première en région Sud
Chorégraphie : Fouad Boussouf
Scénographie : Ugo Rondinone
Musique : Gabriel Majou
Costumes : Gwladys Duthil
Lumières : Lukas Marian
Assistante à la chorégraphie : Filipa Correia Lescuyer
Interprètes : Yumi AIZAWA, Céline ALLAIN, Zoé CHARPENTIER, Diana DIAS DUARTE, Emilie MEEUS, Stefanie NOLL, Sara SHIGENARI, Madeline WONG, Quintin CIANCI, Adelson CARLOS, Armando GONZALEZ, Ricardo MACEDO, Juan PEREZ, Luca SCADUTO, Nahuel VEGA.
Durée : 50 min
Deux pièces, deux univers. A l’appel métaphysique du vide répond l’énergie du sol et de la terre. Un programme tout en contraste, interprété par une compagnie de haut vol.
Sur le plateau, une plateforme inclinée à 34 degrés s’élève en diagonale vers les hauteurs. Dessus, à genoux, rampant, glissant en arrière ou pour de brefs instants debout, dix-sept danseurs s’obstinent sans relâche à gravir la pente et éviter la chute. Skid, créé en 2017 à l’Opéra de Göteborg, met les corps à l’épreuve de la gravité. Le dispositif imaginé par les artistes plasticiens Jim Hodges et Carlos Marques da Cruz devient le terrain de multiples expérimentations physiques suscitant en retour autant d’états émotionnels, de la résistance à l’abandon. Dans cet univers instable, le contact physique avec l’autre demeure le meilleur recours face à l’appel du vide, belle métaphore de la condition humaine.
A l’inverse Vïa, créée en avril 2023 par Fouad Boussouf, revient avec force au sol d’où tout est né. Le chorégraphe a confié à l’artiste Ugo Rondinone, avec lequel il avait collaboré en 2020 pour une installation de vidéo-danse, la réalisation d’un revêtement évoquant aussi bien l’asphalte chauffée au soleil des danses urbaines que la terre africaine des origines. Soutenus par les pulsations électro-symphoniques de Gabriel Majou, les quinze interprètes traversent une série de métamorphoses organiques au fil de cycles de danse enchaînés jusqu’à la transe. Comme un souffle vital qui jamais ne s’arrête.
Damien Jalet,
Chorégraphe et danseur indépendant, Damien Jalet circule de grandes collaborations à l’international en projets plus personnels. Ses œuvres, souvent collaboratives, témoignent du pouvoir de la danse à se réinventer en permanence dans le dialogue avec d’autres disciplines telles les arts plastiques, la musique, le cinéma et la mode. Il a travaillé pour les ballets C de la B, Sasha Waltz, Chunky Move, Eastman, NYDC, Hessisches Staatsballett, le Ballet de l’Opéra national de Paris, Scottish Dance Theatre, Iceland Dance Company, etc.
Pour la scène, il a notamment créé : Babel(words) (2013) ; Boléro (2013); Inked (2013) ; Les Médusés (2013); YAMA (2014) ; Gravity Fatigue (2015) ; VESSEL (2015) ; Thr(o)ugh(2016) ; SKID (2017) ; Pelléas et Mélisande (2018) ; Omphalos (2018).
A l’écran, il collabore avec le réalisateur Gilles Delmas pour créer The Ferryman en 2016, avec la participation de Marina Abramović et Ryūichi Sakamoto, film présenté lors de la Biennale de Venise en 2017. En 2018, il signe la chorégraphie du remake Suspiria de Luca Guadagnino. L’année suivante il chorégraphie le film Anima de Paul Thomas Anderson avec Thom Yorke qui en a également composé la musique ; l’œuvre est nominée aux Grammy Awards en tant que « Meilleur Film Musical » et primé aux UK Music Video Awards dans la catégorie » Meilleure chorégraphie ».
Dernièrement, il crée Brise-lames (2020) pour le Ballet de l’Opéra national de Paris avec le plasticien JR, le pianiste Koki Nakano et le danseur Aimilios Arapoglou ; en collaboration avec l’artiste Kohei Nawa avec qui il avait créé VESSEL, il signe le film Mist pour le NDT1 puis crée Planet[wanderer] à Chaillot – Théâtre national de la Danse (2021); il crée Kites (2022) pour la GöteborgsOperans Danskompani.
Il a par ailleurs collaboré sur certaines séquences de la tournée théâtrale 2019-2020 de Madonna, Madame X ; il crée les chorégraphies de plusieurs chansons de sa tournée événement 2023-2024 The Celebration Tour, dont il est aussi creative advisor. En 2023, il signe la chorégraphie du film Emilia Perez, première comédie musicale de Jacques Audiard (sortie attendue en 2024).
Damien Jalet est nommé Officier de l’Ordre des Arts et des Lettres par le gouvernement français fin 2022.
Fouad Boussouf
Danseur, chorégraphe et pédagogue de la danse, Fouad Boussouf, né au Maroc, est arrivé en France à 7 ans. Il s’initie à la danse hip-hop, au modern jazz et au nouveau cirque, puis fonde en 2010 la compagnie Massala. Ses pièces, dont Näss (Les Gens) et OÜM, s’inspirent de sa formation multiple et de la culture de son pays d’origine. Depuis janvier 2022, il dirige le Centre chorégraphique national du Havre.
Ballet du Grand Théâtre de Genève
Fondé en 1962 en tant que compagnie permanente, le Ballet du Grand Théâtre de Genève, composé de 22 artistes, est placé depuis 2022 sous la direction de l’artiste et chorégraphe Sidi Larbi Cherkaoui.
Crédits
Skid
Production
Coproduction
Première à l’Opéra de Göteborg, Suède
VIA
Production
Coproduction : Équinoxe – Scène Nationale de Châteauroux
20h30
de 16€ à 50€
Tout public
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COMPAGNIE PHILIPPE SAIRE
Salle des fêtes
Création 2021
Concept et chorégraphie : Philippe Saire
Avec les danseurs Neal Maxwell, David Zagari
Création lumières : Philippe Saire, Vincent Scalbert
Création sonore : Philippe de Rham
Costumes : Isa Boucharlat
Régisseur : Louis Riondel
Symboles de puissance et de fragilité, séduisants, parfois inquiétants, les ballons de baudruche sont au cœur de ce spectacle insolite, aussi subtil et délicat que l’air.
Au départ, il y a le souhait de renouveler l’espace scénique avec une proposition scénographique forte. De cette démarche sont nées depuis 2011 quatre pièces au format original, Black Out, Néons, Vacuum et Ether. Salle des Fêtes, structuré en trois actes, est le cinquième volet de ces « Dispositifs ». Assis en cercle sur le plateau, le public est invité au plus près de l’action. Au centre, un disque-couvercle libère des ballons multicolores, gonflées à l’hélium, avec lesquels dansent deux clowns blancs au visage masqué. Leur aspect étrange tranche avec un univers qui évoque irrésistiblement la joie de l’enfance, les divertissements populaires et les factices royaumes enchantés de Walt Disney. Tandis que, reliés à leur structure circulaire, les ballons passent successivement du ras du sol au haut des airs, avant de se poser à nouveau à terre, on s’interroge : ces clones ont-ils pour mission de nous distraire ? Ou bien sont-ils chargés d’incarner, à la façon d’une catharsis, notre inévitable pesanteur humaine alliée à notre besoin inné de légèreté et d’élévation… Se gardant de trancher, Philippe Saire laisse chacun goûter la magie consolatrice d’une chorégraphie teintée de nostalgie et d’humour tendre. En souvenir de l’enfant ravi, tenant la ficelle d’un ballon, qui sommeille en chacun de nous.
Philippe Saire
Féru d’arts visuels, de théâtre et de cinéma, le chorégraphe Philippe Saire est l’une de personnalités majeures de la scène suisse contemporaine. Avec sa compagnie fondée en 1986, il a créé une trentaine de pièces à la réalisation ciselée, parmi lesquelles Vie et Moeurs du Caméléon Nocturne ou encore Hocus Pocus. Basé à Lausanne, il a reçu en 2004 le « Prix suisse de danse et de chorégraphie » décerné par ProTanz, Zürich, et pour son lieu de travail et de création, le Théâtre Sévelin 36, le Prix spécial de danse 2013 de l’Office fédéral de la culture.
Crédits
Production : la compagnie Philippe Saire est soutenue par la Ville de Lausanne, le Canton de Vaud et Pro Helvetia, Fondation suisse pour la culture.
La Cie Philippe Saire est compagnie résidente au Théâtre Sévelin 36, Lausanne.
Soutiens : la Loterie Romande, la Fondation Philanthropique Famille Sandoz, Ernst Göhner Stiftung, la Fondation Françoise Champoud e la Fondation Corymbo.
14h30 & 17h30 - 50 min
Plein : 25€ / - 26 ans : 15€
Tout public (jauge limitée)
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B.DANCE
ALICE
Création 2021
Pièce pour 13 interprètes
Chorégraphie : Po-Cheng Tsai
Avec : Chien-Chih CHANG, Li-An LO, Chen-Ning CHANG, Siang-Fu ZENG, Ho-Chien CHANG, Yu-Hung WANG, Hsing TSENG, Yi-Ru CHENG, Chen-Yu LIAO, Shu-Han YEH, Chieh-Wen LIU, Ming-Hsuan LIU, Ming-Fen WU
Musique : Rockid Lee
Création lumières : Otto Chang
Conception vidéo : Po-Chih Chang
Au pays des merveilles de Po-Cheng Tsai, l’univers de Lewis Carroll se marie à la spiritualité de l’Asie de l’Est. Un spectacle raffiné, poétique, et un conte pour tous.
Comment faire d’un classique de la littérature enfantine anglo-saxonne un objet chorégraphique à la fois universel et parfaitement original ? Réponse avec ce ballet onirique, né en 2021 de la collaboration entre la compagnie taïwanaise B. Dance et son chorégraphe inspiré Po-Cheng Tsaï, avec le Tanz Lucerner Theater dirigé par Kathleen McNurney. Sur la partition new age du sound designer Rockid Lee, ballet classique, gestuelle contemporaine, hip-hop et jazz se combinent avec le taï-chi, les arts martiaux, le kung-fu, et même la danse folklorique chinoise. La scénographie est à elle seule un voyage, qui convoque aussi bien un labyrinthe de miroirs que des calligraphies à l’encre noire, ou des projections vidéo tendance psychédéliques signées Po-Chih Chang. Particulièrement somptueux, les costumes participent à l’enchantement, et comme l’héroïne, le spectateur va de surprise en surprise dans cet univers baigné de lumières changeantes, qui ne ressemble à rien de ce qu’il a déjà vu. A leur impeccable maîtrise technique, les danseurs ajoutent une part de mystère qui fait de la chorégraphie, écrite au cordeau, une véritable exploration de l’âme humaine. A la fois théâtral et visuel, psychologique et très physique, ALICE est une réussite et une découverte fascinante, à ne pas manquer !
Po-cheng Tsai, B. Dance
Diplômé en 2009 de l’Université des arts de Taipei, Po-Cheng Tsai crée en 2014 la compagnie B.Dance et développe un style unique alliant la gestuelle de la tradition asiatique et le vocabulaire classique et contemporain occidental. Distinguées lors de nombreux concours internationaux, ses pièces sont représentées dans le monde entier, dont en France au festival d’Avignon. Il chorégraphie également pour plusieurs compagnies étrangères, parmi lesquelles Gauthier Dance ou La Veronal. Il est désigné en 2018 chorégraphe de l’année par le magazine Tanz.
Crédits
Production : Chia-Fang Sun
Soutiens : TAIWAN TOP Performing Arts Group et Ministère de la culture de Taïwan
20h30 - 1h25 avec entracte
de 16€ à 28€
Tout public à partir de 5 ans
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SÉANCE SCOLAIRE :
le mardi 28 novembre à 14h30
RECIRQUEL CIRQUE DANSE
Solus Amor
Création 2020
Écrit, mis en scène et chorégraphié par Bence Vági
Musique: Edina Szirtes
Création lumières: Attila Lenzsér, József Pető
La danse, le cirque et l’amour : en fusionnant ces trois ingrédients, la compagnie hongroise Recirquel compose un somptueux ballet aérien, au langage universel.
La danse, le cirque et l’amour : en fusionnant ces trois ingrédients, la compagnie hongroise Recirquel compose un somptueux ballet aérien, au langage universel.
Ils ont popularisé un nouveau concept : le Cirque Danse, à la jonction des arts circassiens et du langage chorégraphique, qu’il soit classique ou contemporain. Armés de ce sésame, les artistes internationaux et multi-talents de Recirquel développent depuis 2014, sous la direction de Bence Vági, des spectacles qui enchantent les publics du monde entier. Troisième volet d’une trilogie à succès, Solus Amor, créé en 2020 à Müpa Budapest, succède à My Land, meilleure production 2018 au Festival Fringe d’Édimbourg, joué à guichets fermés au Off d’Avignon, et à Non Solus (2015) acclamé à la Brooklyn Academy of Music (BAM) de New York. Après avoir exploré les liens de l’homme avec la terre-mère, de la naissance à la mort, Vági convoque cette fois « l’énergie ancestrale pour raconter une histoire sur la foi et l’amour, sur l’univers et la nature ». Aux côtés des artistes, un vrai-faux ours polaire, dû au talent du marionnettiste sud-africain Janni Younge, incarne une présence animale. Se déroulant en grande partie dans les airs, Solus Amor présente plusieurs séries de tours à couper le souffle, alliées à des séquences de danse purement lyriques. La scénographie, les costumes, et la musique d’Edina Mókus Szirtes créent un espace multidimensionnel, intemporel, unissant d’un même élan passé lointain et futur proche.
La compagnie Recirquel
Fondé en 2012 à Budapest par le metteur en scène et chorégraphe Bence Vági, Recirquel est devenu l’une des principales compagnies de cirque contemporaines au monde. Ses productions pionnières ont sensibilisé le public hongrois et international à cette nouvelle forme d’art. Son style puise son origine dans le théâtre classique hongrois ainsi que dans le spectacle créé en 2017 par Bence Vági à Budapest, pour la cérémonie de clôture du 17e Championnat mondial de natation, qui mêlait déjà danse et cirque autour de la plus ancienne légende de Hongrie.
Crédits
Production : Müpa Budapest
Crédits photo : Tamás Réthey-Prikkel
Première en région Sud
Première en région Sud
20h30 - 1h15
de 16€ à 50€
Tout public à partir de 6 ans
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L-E-V / SHARON EYAL – GAI BEHAR
Into The Hairy
Création 2023
Chorégraphie : Sharon Eyal avec Gai Behar
Création musicale : Koreless
Interprètes : Darren Devaney, Guido Dutilh, Juan Gil, Alice Godfrey, Johnny McMillan, Keren Lurie Pardes, Nitzan Ressler
Costumes : Maria Grazia Chiuri – Christian Dior Couture
Lumières : Alon Cohen
Aux manettes de cette pièce sous haute tension, Sharon Eyal et Gai Behar, dont les créations percutantes ont marqué la décennie, en collaboration avec Koreless, star montante de l’électro britannique.
Depuis la naissance en 2013 de leur compagnie L-E-V, basé en France, la chorégraphe Sharon Eyal et son complice Gai Behar électrisent la danse contemporaine. Chacune de leurs productions a le don unique d’offrir une combinaison d’images et d’émotions alliant la puissance de la danse, la géométrie millimétrée des corps et le grain de folie libérateur hérité de la culture underground des clubs et de la nuit. Dans ces tableaux en mouvement, les lumières, la scénographie mais également la musique jouent un rôle clé. Les deux artistes ont ainsi confié la partition de Into The Hairy au compositeur Lewis Robert alias Koreless, dont l’album Agor a en 2021 révolutionné la scène électro. Qualifié de « prodige de la musique minimaliste », le Britannique aux inspirations multiples propose une expérience sonore imaginative, tel un voyage à partager. La nouvelle pièce de L-E-V- associe également la styliste Maria Grazia Chiuri, directrice de Christian Dior Couture, et le light designer Alon Cohen, partenaires de longue date de la compagnie. Elle est portée par sept interprètes rompus à tous les styles, artisans essentiels de la « magie » revendiquée par Sharon Eyal dans toutes ses réalisations scéniques.
Sharon Eyal
Après avoir dansé entre 1990 et 2008 pour la Batsheva Dance Company d’Ohad Naharin, Sharon Eyal en a été directrice artistique adjointe puis de 2005 à 2012 chorégraphe associée. Elle a fondé à Tel-Aviv la L-E-V- Dance Company avec l’artiste multidisciplinaire Gai Behar, figure de la vie nocturne, et créé depuis de très nombreuses pièces, notamment pour le Nederlands Dans Theater, le Royal Swedish Ballet, la GöteborgsOperans Danskompani et le Ballet de l’Opéra de Paris (Faunes en 2021). En 2017, elle a reçu le prix Fedora Van Cleef & Arpels pour le ballet.
Crédits
Production : L-E-V company
Coproduction : Montpellier Danse Festival ; La Villette – Paris ; Salzburger Festspiele – Autriche ; Sadler’s Wells – Londres ; Julidans – Amsterdam ; Spoleto Festival dei Due
Mondi – Italie ; MART Foundation – USA.
Avec le soutien de Orsolina28, Italie
Avec le soutien de :
20h30 - 45 min
de 16€ à 50€
Tout public
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COMPAGNIE LÉZARDS BLEUS
Safety to last
Création 2023
Hommage à Harold Lloyd
Pièce pour un danseur de façade, deux traceurs, un contrebassiste, une acrobate et une chanteuse
Chorégraphie et danseur de façade : Antoine Le Menestrel
Avec Marcia Barcellos, Jean-Christophe Bournine / Merakhaazan, Anthony Denis, Lou FrHeaven,
Manouk Guibert.
Musique : Grégory Véra
Création lumières : Samson Milcent
Accordiste : Olivier Dobel-Ober
Régie sol : Jean-Luc Bichon
Un siècle après le génial Harold Lloyd gravissant à mains nues la façade d’un building de Los Angeles, une performance renouvelle l’exploit sur les murs du Cineum de Cannes.
La scène est devenue culte : un petit bonhomme en costume et chapeau noirs est suspendu par les bras aux aiguilles de l’horloge géante d’un gratte-ciel américain. Avec Safety Last !, sorti en 1923, le burlesque Harold Lloyd entrait dans la légende. Cent ans après, Antoine le Menestrel rend hommage à un acteur depuis toujours pour lui source d’inspiration. Imaginant une écriture chorégraphique verticale adaptable à une architecture et un événement spécifiques, il présente sa création mondiale en parallèle avec le lancement, par le Festival, de la toute nouvelle compétition de films de danse MOV’IN Cannes. Difficile de faire plus ‘raccord’ ! En ouverture de la remise des prix, celui qui se décrit comme un « allumeur de rêves » accomplira donc son ascension le long des murs du cinéma, conçu par Rudy Ricciotti, qui accueille les projections. Et tel le héros du film retrouvant un voisin d’étage en étage, il rencontrera à chaque niveau un artiste du territoire, parmi lesquels Marcia Barcellos de Système Castafiore, la jeune circassienne Manouk Guibert, ou le contrebassiste niçois Jean-Christophe Bournine, auxquels il a passé commande d’une création de quelques minutes sur le thème Ascension-Descension. Sans oublier les acrobates spécialisés en Parkour, Anthony Denis et Loup FrHeaven qui seront à ses côtés.
Reliant ainsi entre eux les arts, mais aussi les habitants, les festivaliers, les cinéphiles et les danseurs dans une joyeuse célébration collective. Sensations fortes garanties !
Antoine Le Menestrel, Compagnie Lézards Bleus
‘Tombé dans l’escalade’ dès l’enfance, Antoine Le Menestrel participe dans les années 80 à de nombreuses compétitions internationales, où il ouvre de nouvelles voies sur structures artificielles. Il fonde en 1992 la Compagnie Lézards Bleus et a depuis collaboré avec de nombreux artistes, notamment avec Roméo Castellucci au festival d’Avignon en 2008, et le collectif La Horde avec le Ballet de Marseille en 2021. Il mène aussi régulièrement des actions de formation et de transmission en direction des plus jeunes dans le cadre de projets EAC ou Politique de la Ville
Production : Compagnie Lézards Bleus conventionnée par l’Etat-DRAC Paca, la Région Sud, le Département du Vaucluse et la Ville d’Apt.
La compagnie est soutenue dans ses projets par la Spedidam « Aide à la Bande originale ».
Résidence : Ville de Saignon ; Communauté de Communes Pays d’Apt Luberon ; « Rouvrir le monde – Eté culturel 2023 »
Partenaires techniques : Beal et Petzl
Coproduction : Festival de Danse Cannes – Côte d’Azur
Soutien : Avec le soutien de Susanne Lloyd et Harold Lloyd Entertainment, Inc. et la Diacosmie – Nice
Première mondiale
Première mondiale
18h00 - 40min
Abonnez-vous 6 spectacles + Carte Liberté
Accès libre
Tout public à partir de 6 ans
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PROJECTION « SAFETY LAST ! » film de Fred C. Newmeyer et Sam Taylor
Jeu. 30 nov à 21h00 – Cineum (Cannes La Bocca) – Tarif unique 5€
+ RENCONTRE avec Antoine Le Menestrel autour du thème de la prise de risque dans sa pratique artistique et professionnelle
« La sécurité en dernier ou la sécurité pour durer ? où mettre le curseur? »
Jeu. 30 nov à 22h15 –
à l’issue de la projection du film Safety Last ! – Cineum (Cannes La Bocca)
CCN DE TOURS – THOMAS LEBRUN
Sous les fleurs
Création 2023
Pièce pour 5 interprètes
Chorégraphie : Thomas Lebrun
Interprètes : Antoine Arbeit, Raphaël Cottin, Arthur Gautier, Sébastien Ly, Nicolas Martel
Musiques : Trio Monte Alban, Maxime Fabre, Susana Harp, La Bruja de Texcoco (arrangement Seb Martel), Banda Regional Princesa Donashii, Rocio Durcal, Hector Berlioz, Eddy de Pretto, et la voix de Felina Santiago Valdivieso
Création lumières : Françoise Michel
Création son : Maxime Fabre
Création costumes : Thomas Lebrun, Kite Vollard
Masques : Ruua Masks
Conception scénographie : Xavier Carré, Thomas Lebrun
Régie générale : Xavier Carré
Régie son : Clément Hubert
Assistante sur le projet : Anne-Emmanuelle Deroo
Chercheur anthropologue : Raymundo Ruiz González
Danse de femme ou danse d’homme ? Entre deux continents, la création de Thomas Lebrun interroge, derrière les apparences, les visages féminins de la masculinité.
Au sud du Mexique dans la région d’Oaxaca, on les appelle les Muxes. Nées hommes et pourtant féminines, ni transgenres, ni travesties, elles sont élevées comme des filles et peuvent s’habiller comme telles. Lors des fêtes locales, elles portent la tenue traditionnelle zapotèque, longue jupe chatoyante tissée de motifs floraux et fleurs piquées dans la chevelure. Le chorégraphe Thomas Lebrun est parti l’an passé à la rencontre de ce troisième genre, reconnu mais pour qui la sexualité est cadrée, et le mariage impensable. Dans son exploration de la féminité au masculin, une notion si difficile à appréhender qu’il n’existe pas de terme précis pour la nommer, il met en regard leur société avec celles de la plupart des pays du globe. Là où sévissent violences et discriminations à l’égard des « hommes féminins », même lorsque ces derniers ont conquis le droit de se marier entre eux. Son documentaire chorégraphique oscille du réalisme à l’onirisme, questionnant « sous les fleurs » l’identité et les représentations du corps. Avec le concours d’un anthropologue mexicain, cinq interprètes dont un comédien chanteur, tous conscients de leur féminité intérieure, se livrent à une quête en perpétuelle transformation. Quant à la bande son, elle unit des musiques locales à une partition délicieusement non genrée, Le Spectre de la rose de Berlioz.
Thomas Lebrun
Après avoir fondé en 2000 sa compagnie Illico, il est d’abord artiste associé au Vivat d’Armentières (2002-2004) puis auprès de Danse à Lille / CDC (2005-2011), où il crée notamment en 2009 Itinéraire d’un danseur grassouillet. Depuis sa nomination en 2012 à la direction du Centre chorégraphique national de Tours, il a chorégraphié une quinzaine de créations, à la danse précise et à la théâtralité assumée. En 2021, il a fêté les deux décennies de sa compagnie avec une pièce anniversaire, Mille et une danses (pour 2021).
Crédits
Production : Centre chorégraphique national de Tours
Coproduction : La Rampe-La Ponatière – Scène conventionnée-Échirolles, Équinoxe – Scène nationale de Châteauroux
Crédit photo : Frédéric Iovino
Remerciements : Felina Santiago Valdivieso, Benito Hernandez
Première en Région Sud
Première en Région Sud
15h00 - 1h10
de 11€ à 28€
Tout public à partir de 15 ans
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TRISHA BROWN DANCE COMPANY
For M. G. : The Movie
Création 1991 – Pièce pour 8 danseurs
Chorégraphie : Trisha Brown
Musique: Alvin Curran
Décors et costumes: Trisha Brown
Lumières : Spencer Brown et Trisha Brown
Interprètes : Christian Allen, Cecily Campbell, Burr Johnson, Lindsey Jones, Catherine Kirk, Patrick Needham, Jennifer Payán, Spencer Weidie
Durée : 30 minutes
Working Title
Création 1985 – Pièce pour 8 danseurs
Chorégraphie : Trisha Brown
Reconstruction dirigée par Carolyn Lucas
Son : Peter Zummo, sélections de the suite Six Songs : “Sci-Fi,” “Slow Heart,” “Song VI,” “Song IV”
Costumes : Elizabeth Cannon
Lumières : Beverly Emmons
Interprètes : Christian Allen, Cecily Campbell, Burr Johnson, Lindsey Jones, Catherine Kirk, Patrick Needham, Jennifer Payán, Spencer Weidie
Durée : 27 minutes
in the fall
Création 2023
Chorégraphie : Noé Soulier
Lumières : Victor Burel
Musique : Florian Hecker
Costumes : Kaye Voyce
Durée : 25 minutes
Un double bill ? Oui mais surtout un dialogue, par œuvres interposées, entre une figure majeure de la post-modern dance américaine et un chorégraphe français contemporain.
Tout au long de sa vie et de sa carrière, Trisha Brown, disparue en 2017, entretint des liens étroits avec la France et sa culture. La première mondiale en 1979 d’une de ses pièces phares, Glacial Decoy, eut même lieu en Provence lors des Fêtes Musicales de la Sainte-Baume. Avec ce programme, la compagnie qui porte son nom et perpétue son répertoire poursuit cette relation privilégiée. Côté pile, elle présente une sélection du répertoire de l’Américaine, reflétant son incessant esprit d’innovation ; côté face, elle a commandé une création à l’actuelle génération hexagonale incarnée par Noé Soulier. En regard de For MG : the movie (1991), retour radical à la source du geste, et de Working Title (1985), évocation de courses enfantines sur une musique de Peter Zummo, on découvrira donc une chorégraphie du directeur du Centre national de danse contemporaine d’Angers. Si lui aussi questionne le mouvement, son approche s’articule plutôt sur les transitions inorganiques, le décalage entre l’intention et le geste, l’effort et la contraction. Au-delà de leurs vocabulaires spécifiques, les deux artistes partagent néanmoins une secrète filiation : celle inscrite dans le corps des interprètes de la Trisha Brown Dance Company, qui gardent et transmettent la mémoire sensible de l’héritage, tout en s’ouvrant à de nouvelles écritures.
Trisha Brown
Née en 1936 aux États-Unis, elle est l’une des membres fondateurs de la Judson Dance Theater, foyer de l’avant-garde chorégraphique au début des années 60 à New York. Elle fonde en 1970 la Trisha Brown Company et développe ses recherches d’abord hors des espaces traditionnels de représentation puis au sein des scènes de théâtre ou d’opéra. Jusqu’à sa mort en 2017, elle a créé près de 90 œuvres et reçu en 1994 l’American Dance Festival Award pour l’ensemble de sa carrière.
Noé Soulier
Né à Paris en 1987, Noé Soulier a étudié la danse au CNSMD de Paris, à l’École Nationale de Ballet du Canada et à P.A.R.T.S. – Bruxelles. En 2010, il obtient le premier prix du concours Danse Élargie, organisé par le Théâtre de la Ville et le Musée de la Danse. Ses pièces chorégraphiques explorent le mouvement dans des dispositifs multiples incluant la scène, l’espace du musée, le cinéma et la réflexion théorique. Il dirige depuis 2020 le Cndc – Angers.
Amanda Kmett'Pendry and Cecily Campbell from The Trisha Brown Dance Company perform WORKING TITLE (1985) in a program at the BAM Fisher on October 12, 2018. The Dances are: BALLET (1968) Dancer: Cecily Campbell PAMPLONA STONES (1974) Cast: Leah Ives (short hair) Amanda Kmett'Pendry (long hair) WORKING TITLE (1985) Cast: L to R Leah Ives Oluwadamilare Ayorinde Cecily Campbell Patrick McGrath Kimberly Fulmer Jacob Storer Kyle Marshall Amanda Kmett'Pendry Photo Credit: Stephanie Berger.
Crédits
For M.G.: The Movie
Commande du Festival d’Automne, du Centre d’Action Culturelle de l’Hippodrome de Douai et de Théâtres en Illinois : Dance Center Columbia College Chicago ; Southern Illinois University à Edwardsville ; Northern Illinois University et Millikin University.
Soutien : Jacob’s Pillow Dance Festival, Lila Wallace-Reader’s Digest Fund, Andrew W. Mellon Foundation, AT&T Foundation, National Endowment for the Arts et du New York State Council on the Arts.
La partition For M.G.: The Movie est une commande de la Trisha Brown Dance Company avec le soutien du Mary Flagler Cary Charitable Trust.
Première For M.G.: à L’Hippodrome de Douai, France, 8 février 1991
Working Title
Working Title est à l’origine de Lateral Pass, commande du Walker Art Center avec le soutien du National Endowment for the Arts, de la Northwest Area Foundation, la Emma Shaefer Charitable Trust, la Bohen Foundation et du New York State Council on the Arts
Working Title : Première mondiale Minzhu Wenhua Gong Theater, Beijing, Chine, 17 novembre 1985.
Nouvelle création, Noé Soulier, 2023
Commande de la Trisha Brown dance Company
Coproduction : Cndc – Angers (Centre national de danse contemporaine), Festival d’Automne à Paris, Dance Reflections by Van Cleef et Arpels.
Noé Soulier a été résident de la Villa Albertine pour cette création.
Première le 16 novembre 2023 au Cndc-Angers
Première en région Sud
Première en région Sud
20h00 - 1h40 avec entracte
de 14€ à 42€
Tout public
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ALEXANDER VANTOURNHOUT
Through the Grapevine
Création 2020
Pièce pour 2 interprètes
Concept et chorégraphie : Alexander Vantournhout
Interprètes : Axel Guérin & Alexander Vantournhout
Assistante chorégraphique : Emmi Väisänen
Composition musicale: Andrea Belfi
Dramaturgie : Rudi Laermans
Création lumières : Caroline Mathieu
Proposition lumières: Harry Cole
Technique : Rinus Samyn
Costumes : Anne-Catherine Kunz
Concept scénographie : Bjorn Verlinde
Production : Barbara Falter & Kiki Verschueren
Technique : Bram Vandeghinste & Rinus Samyn
Communication : Aïda Gabriëls
Un pas de deux ? Oui, mais singulier. Parce qu’il met en scène deux hommes au corps entraîné, mais imparfait, qui se jouent – et nous avec – de leurs différences. Jouissif !
Grands et élancés, ils ont tous deux la même taille mais pas la même morphologie. Danseurs exercés, ils ne prétendent pas pour autant être des virtuoses. Loin des esthétiques standard, virtuelles ou instagrammées, Axel Guérin et Alexander Vantournhout ont précisément choisi de montrer, dans ce duo subtilement drôle, la beauté spontanée et parfois cocasse de « l’animal humain ». Geste après geste, par une suite de contrats et d’appui réciproques, l’un et l’autre s’épaulent mutuellement dans leur recherche de l’équilibre. Le toucher, réhabilité, devient le fil conducteur de la performance et l’instrument ultime pour parvenir à l’harmonie. A la différence des pas de deux du répertoire, ici même les solos s’élaborent conjointement, dans un va et vient constant entre les deux interprètes. Quant à l’idée de symétrie, elle se décline aussi bien à la verticale, selon l’idée classique d’élévation, que sur un axe horizontal ou sur une diagonale, créant des emboîtements déroutants et des formes inattendues… Depuis l’avant-scène, où débute cette joute fraternelle, scénographie et lumière guident l’œil du spectateur jusqu’au point de fuite de la piste de danse découpée en trapèze, tandis que les percussions orchestrées par Andrea Belfi lient organiquement son et mouvement. Entre symétrie et dissonance, fusion et parité, une nouvelle façon d’être deux.
Alexander Vantournhout
Chorégraphe et performer né à Bruxelles, Alexander Vantournhout a étudié la danse contemporaine à l’école P.A.R.T.S. dirigée par Anne Teresa de Kersmaecker, et suivi le cursus de l’École Supérieure des Arts du Cirque (ESAC). Nourri de ces deux esthétiques, il crée depuis 2014 des pièces, dont le remarqué Aneckxander, à la frontière de plusieurs formes d’art et qui, à partir de contraintes, explorent les champs du possible tant physique que cinétique.
Crédit
Production : Not Standing (ASBL)
Coproduction : Centre d’art VIERNULVIER, Gand (BE), PERPLX, Marke (BE), CENTQUATRE, Paris (FR), Cirque-théâtre Elbeuf (FR), Subsistances, Lyon (FR), Théâtres de la Ville de Luxembourg, Luxembourg (LU), MA scène nationale – Pays de Montbéliard (FR), Les Hivernales CDCN, Avignon (FR), Malpertuis, Tielt (BE), Theater Freiburg (DE), Théâtres des Quatre Saisons, Gradignan (FR), Théâtre de l’Arsenal, Val-de-Reuil (FR)
Résidences : les ballets C de la B, Gand (BE), Centre d’art VIERNULVIER, Gand (BE), STUK, Louvain (BE), Subsistances, Lyon (FR), Wood Cube, Roulers (BE), Workspacebrussels, Bruxelles (BE)
Résidences annulé en raison de COVID-19 : Arts Printing House, Vilnius (LT) Oerol, Ter Schelling (NL), Le Gymnase CDCN, Roubaix (FR), Grand Théâtre, Groningen (NL)
Avec le soutien des autorités flamandes. Alexander Vantournhout est artiste en résidence au Centre d’art VIERNULVIER à Gand et à PERPLX à Marke, artiste associé du CENTQUATRE Paris et du Cirque-théâtre Elbeuf. Il est ambassadeur culturel de la ville de Roulers. Alexander Vantournhout est soutenu par la Fondation BNP Paribas pour le développement de ses projets.
Diffusion : Frans Brood Productions
Company manager : Esther Maas
Directrice de production : Aïda Gabriëls
Photographie : Bart Grietens
Crédit photo : Bart Grietens
Première mondiale
Première mondiale
